Diez directores de cine más importantes del siglo XX

Edgar Meritano




Es difícil elegir una lista de los diez mejores directores de los últimos 100 años, si tomamos en cuenta que el arte cinematográfico es el más joven de la humanidad y que apenas tiene un siglo de vida, en otras artes podríamos hablar de los diez pintores más importantes del siglo XVII o del siglo XII, sin embargo, en cuanto a cinematografía se refiere, únicamente existe un siglo del cual podemos discurrir y estamos en los albores de su segundo siglo de vida.

Por lo tanto llegar a la lista de los diez directores más importantes del siglo XX supone una exclusión de no menos geniales o influyentes, no obstante, en este artículo nos centraremos sólo en diez de ellos.

A continuación presento, según mi criterio, a los diez elegidos por su carrera o influencia en el cine, la  ausencia de algunos directores que otra persona pensaría deben estar  presentes en este artículo, desembocaría sin duda en un debate al que estoy abierto.

Así, sin más, les dejo a mis diez directores, aquellos a los que yo mandaría al espacio para que un extraterrestre entendiera lo que es el cine.

1 Stanley Kubrik

Ninguna discusión cinéfila se encuentra completa sin mencionar al maestro Kubrik, su nombre es sinónimo de cinematografía, es innegable el genio del director y su importancia para la industria, es irónico que el premio Óscar jamás se acercara a sus manos, lo cual habla muy mal de la historia de la academia.

Kubrik tomó con maestría cada género y lo transformó marcando nuevos estándares. Comenzó su carrera como fotógrafo, rápidamente entendió el poder de la imagen, desde sus primeras producciones Kubrik demostró un gran talento en el documental  Day of Fight (1950); Kubrik es autor de producciones legendarias como Spartacus (1960) y de la adaptación de la obra de Vladimir Nabokov: Lolita (1962) donde un profesor universitario se enamorara de una jovencita llamada Dolores. Para 1964 llegaría la comedia sobre paranoia nuclear Dr. Strangelove: or How I Learned to Stop Worring and Love the Bomb, película que además de ostentar el título más largo nominado a un Óscar, tiene al maravilloso Peter Sellers en varios papeles. La madurez fílmica del director es alcanzada por 2001 A Space Oddisey (1968) adaptación de la novela homónima de ciencia ficción de Arthur C. Clark que trata el tema de la inteligencia artificial. Para 1971 Kubrik logra colocar otra película imprescindible para la historia de la cinematografía: A Clockwork Orange y con ella acuñar el término de “ultraviolencia” a la cual aún el propio Tarantino se adscribe. El director, conocido por su perfeccionismo, incluso manda a tallar una lente a la NASA para poner la puesta en cámara de Barry Lyndon (1975) con la maravillosa Marissa Berenson como coprotagonista en un drama enclavado en la corte inglesa; otra leyenda del cine es The Shinning (1980) donde Kubrik cambia las concepciones establecidas del género de horror con la tenebrosa visión de Jack Torrance atrapado en el laberinto del hotel mientras es congelado hasta su muerte. Kubrik ya se había enfocado en el género de guerra con Paths of Glory (1957) no obstante regresa al género para transformarlo una vez más con una película sobre Vietnam: Full Metal Jacket (1985) en la que aclamado director revisa una guerra infame y que aún causa resquemor en el pueblo americano. En 1999 Kubrik nos dejó su última obra titulada Eyes Wide Shut que explora los deseos ocultos de una pareja (Tom Cruise y Nichole Kidman) película que marcaría el final de su vida constituyendo su legado.

2 Alfred Hitchcock

El director inglés que naciera en el último año del siglo XIX, revolucionó de tal manera la cinematográfia que merece el segundo lugar en esta lista. Responsable de la primera película que no permitió la permanencia voluntaria Psycho, 1(960) el amo del suspenso cuenta con muchísimas películas memorables en su repertorio. Hitchcock lograba construir el suspenso en la escena, e inventó el término “McGuffin” que se refiere a un gatillo dentro de la trama del cual no se nos explica nada, su sola existencia dispara la trama. A diferencia de Stanley Kubrik quien posee una filmografía relativamente corta, Hitchcock fue un director prolífico así que sólo mencionaré algunas de sus películas.

En Rope(1948) Hitchcok tira la película en un número pequeño de tomas, los cortes son marcados por la longitud de la cinta, creando con esto una narrativa tensa y cansada para el espectador; para Rear Window el director construye en un set una ciudad completa con automóviles y todo con un edificio en el set donde el personaje principal va a ser testigo de un asesinato; en Rear Window la ilusión de luz de día es generada simplemente por la iluminación del set, la película es tan importante que tiene tres remakes. El misterio de Vertigo (1958) es de una manufactura impresionante, además de que para esta película se montaron varias maquetas para ejecutar el efecto de vértigo de la torre del campanario que ha sido usado otras veces con un simple movimiento de zoom y de dolly. La maestría de Hitchcock ya era indudable a estas alturas, no obstante en 1960 realiza Psycho, película que pone en pantalla al demente Norman Bates y su tenebroso Motel aterrorizando a todas las audiencias. Su última obra maestra (que no su última obra) es The Birds (1963) que a parte de ser de una película impecable, es la primera en usar una pantalla amarilla para posteriormente hacer un recorte de personajes (matte) en esta película también se usaron montajes pictóricos en vidrio para dar la idea del punto de vista de las gaviotas. Alfred Hitchcock es uno de los cineastas más grandes en la historia del cine.

3 Francis Ford Coppola

La importancia de Coppola es indescriptible, para describir la importancia del director nos referiremos a sus trabajos más conocidos y reconocidos como obras maestras: El padrino 1 y 2 (1972 y 74, respectivamente) películas que lanzaron a la fama a Al Paccino y a Robert de Niro como Michael y Vito Corleone , es pertinente mencionar de la misma forma a Marlon Brando en la primera entrega también en el papel de Vito Corleone, la película es una puesta en pantalla magistral donde Coppola nos expone a la mafia italiana, sus rituales y sus complicaciones; nos queda claro que la familia importa y todo es una relación de honor. Fotografiada en una clave baja (low key) o subexposición fotográfica, es un exponente del género Noir, ejemplarmente dirigida, fotografiada, pero sobre todo editada. El director hace de los ajustes de cuentas de la familia Corleone un referente cinematográfico legendario.

La adaptación del Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad llamada Apocalypse Now por poco reclama la vida tanto del director como del actor Martin Sheen, el cual interpretó al Capitán Willard, quien en un psicodélico viaje por el corazón de las tinieblas (Vietnam) debe encontrar al Coronel Kurtz interpretado por Marlon Brando; la película cuenta con una fotografía impecable y con la inolvidable escena de los helicópteros que al amanecer invaden una población controlada por el Vietcong, al ritmo de la Cabalgata de las Valkirias de Wagner. La genialidad de la película no se queda ahí, es también acompañada del avance tecnológico del sonido 5.1 diseñado para ver esa película en particular y que ahora se cuenta con el en cualquier sala de cine, o incluso home theater.

4 Quentin Tarantino

Tarantino es el creador de una nueva forma de narrar en 1994 con su obra maestra Pulp Fiction, cuya trama es contada de forma no lineal, esto influyó a todo el cine de los años noventa, así como la forma en la que en estos días se realizan las películas. Siendo un extraordinario musicalizador, lleva con un particular sentido de la ironía toda la película con una selección de canciones para cada escena; la infamia del Óscar se vuelca de nuevo sobre Tarantino al otorgarle la estatuilla a Forrest Gump de Zemeckis en ese 1994. Tarantino no vuelve a inscribir una película al premio.

La genialidad del director viene desde 1992 y su ópera prima Reservoir Dogs, la cual con un bajísimo presupuesto casi en su totalidad financiado por Harvey Keitel y un cast insuperable logra una historia Noir fresca, irónica y divertida al poner a varios mafiosos en un problema con un robo de diamantes.

5 Akira Kurosawa

La trayectoria cinematográfica de Akira Kurosawa es tal que al encontrarse sin presupuesto, George Lucas y Steven Spielberg financiaron de su bolsillo sus últimas producciones. La influencia de sus películas se puede trazar desde Kill Bill (2004) pasando por Matrix (1999) StarWars (1977) toda la obra de Sergio Leone y sobre el propio anime japonés.

La parte central del trabajo de Kurosawa se basa en la cultura Samurai, de esta suerte tenemos películas legendarias como Yojimbo (1961) cuyo argumento fue plagiado por Leone para For a Fistful of Dollars (1964), éste tuvo que pagarle a Kurosawa el total de las ganancias obtenidas por la película. Akira Kurosawa coloca también en la cultura Seven Samurais de la cual habría un remake western en la forma de Magnificent Seven (Pekimpah, 1960) y varias secuelas más de ellos. Posiblemente su película más importante fue Kagemusha The Warrior´s Shadow (1980) es considerada una obra maestra y una representante inequívoco del género y de la cultura japonesa.

6 Riddley Scott

El director inglés Ridley Scott es un referente para el cine actual. Scott fue un niño prodigio de Hollywood y varias de sus películas han sido catalogadas como épicas o legendarias; sus principios tuvieron además una estrella muy buena al ser elegido director de Alien (1979) como su segunda película. Scott lleva a la pantalla al tenebroso monstruo de más allá del abismo combinando la ciencia ficción con el horror para un producto que influiría para siempre ambos géneros. El monstruo Alien permearía su carrera por siempre y hoy es posible notar detalles como el manejo de cámaras o de colores en el resto de su filmografía, como en Black Hawk Down (2001); esta película catapultaría al éxito a la joven Sigourney Weaver, quien deja atrás a las mujeres gritonas e indefensas del género de horror y enfrenta al horror de más allá del abismo con sus propias manos en el espacio donde nadie la escuchará gritar. Scott es un director prolífico, y hoy por hoy se encuentra dirigiendo Prometheus donde retomará los géneros que lo vieron consagrarse en una suerte de secuela Alien.

Su otra obra maestra es una adaptación de la novela de Philip K. Dick. ¿Sueñan los androides con ovejas robóticas? Donde trata del dilema ético de la clonación, la película es considerada una de las más grandes obras de la humanidad y su nombre es Blade Runner, en este film Scott plantea un futuro poco promisorio de la raza humana con un planeta devastado y un sol que apenas lo alumbra, en este caso Scott hibrida los géneros Noir y de ciencia ficción para darnos este oscuro mundo donde unos androides buscan la razón de su existencia.

7 James Cameron

Director canadiense que logra colarse a la lista por su gran aportación a la cinematografía. Sin ser tan prolífico como otros directore, James Cameron es autor de largometrajes que han marcado cánones en la industria. Posiblemente una de sus más grandes sagas es la de Terminator y Terminator 2 (1985 y 1991) donde un robot del futuro es enviado al presente parar detener al salvador de la humanidad, John Connor. Ambas películas suponen un avance tecnológico importante para la industria, en la forma de animaciones stop motion y un personaje completamente digital, cabe señalar que estas películas implican la proyección al estrellato de dos actores, Linda Hamilton quien encarnara a Sarah Connor y Arnold Schwarzenegger quien interpretara al temible Terminator.

James Cameron es responsable de una de las secuelas más taquilleras de la historia: Aliens (1986) la única sobreviviente del Nostromo es devuelta al planetoide donde encontró el corazón de las tinieblas y es enfrentada a la esencia misma del mal, la ya consagrada Sygourney Weaver regresa en su papel de la Teniente Ellen Ripley para enfrentar a la malignidad en plano y forma, esta vez acompañada de unos marines muy rudos, los cuales, sin embargo, resultan irrelevantes, nuevamente es Ripley quien tiene que arreglarlo todo.

Posiblemente los noventa sean recordados por el público, cuando James Cameron arrasara con todos los Óscares posibles y al mismo tiempo arrancara los suspiros quinceañeros al poner a Leonardo Di Caprio a gritar que es el rey del mundo en la proa del Titanic (1997) película que con sus detractores, ostenta el record de más Óscares ganados en una noche, el récord es compartido con El Regreso del Rey (2003).

8 Wim Wenders

El maestro Wim Wenders, originario de Alemania llega a nuestra lista como uno de los directores más importantes en la historia del cine, posiblemente su visión gris de la ciudad de Berlín le garantice este lugar en Der Himmel Über Berlin (1987) mejor conocida en nuestro país como Las Alas del Deseo. En El Cielo Sobre Berlín Wenders supone cómo es la visión de nuestro mundo observada desde la óptica de un ángel interpretado por el genial Bruno Ganz; el mundo gris y sin colores del ángel cobra color cuando el ser celestial observa a una mujer en un columpio, y ¿no es acaso que las mujeres dotan de color nuestro mundo? Wenders se coloca entre los grandes con esta obra maestra.

Posteriormente en Paris, Texas (1985) Wenders nos muestra el paisaje norteamericano como si fuera nativo de este país, con una historia muy sencilla donde un niño quiere reunirse con su madre, la guapísima Natasha Kinsky. Toda la historia es narrada por los colores y el contraste cromático entre el verde y el rojo.

9 David Lynch

Querer explicar a David Lynch es como querer entender a una mujer, simplemente es imposible. David Lynch se encuentra en los bordes de toda lógica y a veces coquetea con los estándares para parecer que está cuerdo; las películas más grandes de este director se encuentran en los límites de la realidad. En Blue Velvet (1986) Isabella Rosselini se enfrenta a uno de los villanos más perturbadores en la historia de la cinematografía interpretado por Dennis Hopper: Frank Booth quien se excita sexualmente con un tanque de oxigeno mientras Jeffrey Beaumont (Kyle Mclachlan) observa la escena a través de un closet donde apenas pudo esconderse. La película, como toda la filmografía de Lynch, es delirante.

En Lost Highway (1997) presenta un viaje, pero no geográfico, sino interno a los limites de la propia conciencia, el punto de quiebre de la película  ocurre cuando Bill Pullman se habla a sí mismo por teléfono para indicar que ya está en la casa. El maestro Lynch es tan importante que el propio Stanley Kubrik declara que su película favorita es Eraserhead  (1977).

10 Sergio Leone

El Italiano Sergio Leone tiene la responsabilidad histórica de darle un segundo aire al género por  excelencia norteamericano: el Western, justo en la debacle del género en América en los años sesentas, Leone lo retoma y lo renueva cambiando incluso su iconografía, antes de Leone el vaquero por excelencia era John Wayne, después de Leone nadie puede pensar en Western sin recordar a Clint Eastwood y su poncho. Leone toma el género y le inyecta nueva vida transformándolo en su propia esencia, en la forma propia cinematográfica. Si bien el Western es un género por definición contemplativo, Leone encuentra la forma de combinar close ups extremos con imágenes abiertas redefiniendo el espacio donde transcurre. Pudiendo el presente ser un articulo exclusivo de cada director presentado aquí me referiré a la única película  Western que Sergio Leone filmó en suelo americano: Onece Upon a time in the West (1968) la cual marca el epitome del Spaghetti Western pero también el final del género en sí. El siguiente año el hombre llega a la luna y como bien expresa el personaje Prospector en Toy Story 2 (Lasseter, 1999) “two words… Sput-nik”, esas dos palabras asesinan el género y el interés de los niños por los vaqueros, indios y caballos, desde ese momento la última frontera es el espacio y no el viejo oeste; no obstante, el Western es capaz de su última obra maestra antes de que el hombre pise la luna y esta película transcurre en Arizona, con tomas magnificas del Monument Valley donde Claudia Cardinale interpreta a una prostituta de Nueva Orleans que llega a Arizona para casarse con un  marido rico, Harmonica (Charles Bronson) se da a la tarea de defender a la vedette mientras Frank (Henry  Fonda) es un asesino despiadado, objeto de la venganza de Harmonica. La película tiene una fotografía impresionante, por fin el paisaje americano ilustra el desierto y la desolación del viejo oeste, un lugar sin reglas más que las de las balas.